Sofia Donovan

Algunos dibujos de distinta épocas

2011-10-11T16:15:00.000-07:00

2011-09-30T16:15:00.000-07:00

s/ titulo. Cerámica y porcelana. 2011

Exposición: “La Oscura Vida Radiante", curatoria de Magdalena Atria, CeAC

2011-08-31T16:58:00.000-07:00

EL MERCURIO

Domingo 9 de octubre de 2011.

Artes Y Letras. E17

Alrededor de la abstracción

WALDEMAR SOMMER

Esta vez la exposición colectiva del CeAC de Las Condes está dedicada a las dos rutas fundamentales de la abstracción. Sin embargo, nuevamente, la calidad de lo exhibido vuelve a ser bastante dispareja. Tenemos, en un extremo, trabajos casi escolares de autores desconocidos y, por el otro, pinturas de años atrás de artistas de brillante trayectoria -Sutil, Mora-. Entre las numerosas obras concurrentes, responsabilidad de 23 participantes, por fortuna no faltan ejemplares atractivos. En primer lugar, el video hermoso de Félix Lazo, donde rinde cambiante y dinámico homenaje al gran Rothko. Un segundo aporte suyo consiste en un volátil rombo con cuadrados amarillos y rojos. También descuellan Cristián Abelli y Rodrigo Canala. Este último mediante unas especies de estrellas destellantes que operan sin color, ya como extendida intervención sobre la vidriera de ingreso a la sala, ya reducidas al intimismo abstracto de cuadritos en trío. Abelli, entretanto, ofrece el vigor visual de su unificación de geometría e informalismo, sin faltar la alusión burlona en su contribución de 2006. Otro video excelente corresponde a Cristián Silva: su "Respiración" logra a través de una personal simplicidad un intenso efecto expresivo. Entre los nombres nuevos que aquí participan es muy justo recordar a Felipe Mujica, Javiera Pérez, Sofía Donovan, Elisita Balbontín y, por el color, Claudio Herrera. Los trabajos de Carlos Navarrete y Magdalena Atria no parecen corresponder a las expectativas que sus nombres prometían. Al mismo tiempo, con sus pinturas geométricas de varias décadas atrás se rinde homenaje al fallecido Mario Carvajal.

 "La oscura vida radiante" Desigual exposición colectiva alrededor de las abstracciones Lugar: Centro de Arte Contemporáneo Fecha: hasta el 15 de octubre

Exposición: “COBRE Y CERÁMICA” del taller Huara Huara

2011-08-15T17:17:00.000-07:00

La Corporación Bodegón Cultural de Los Vilos,

La I. Municipalidad de Los Vilos y Minera Los Pelambres

Tienen el Agrado de Invitarle a la Inauguración de la Exposición

“Cobre y Cerámica”

del Taller Huara Huara

Ruth Krauskopf,

Que se realizará el día Sábado 13 de Agosto a las 12:30 Horas, en Dependencias de la

Corporación Bodegón Cultural de Los Vilos, en Elicura 135, Los Vilos.

S.R.C. (53) 54 25 81 Los Vilos, Agosto 2011

Arte Ba 2011- Galeria Federico Towphya

2011-06-01T17:27:00.000-07:00

"Mono no aware", mdf, pintura, tallado y resina, 125*85*2 cm, 2011

Detalle

Vista de las obras en el stand

Escultura

"Marítimo", mdf, pintura, tallado y resina, 80*120*3cm, año 2008

Inauguración

Fase 3. Encuentro de Arte y Tecnología. Centro Cultural Recoleta.

2011-04-13T16:10:00.000-07:00

www.fase3encuentro.com.ar

Exposición de cine y video. Museo de Artes Visuales, Chile

2011-01-27T13:17:00.000-08:00

Muestra de video y cine en la Plaza Mulato Gil de Castro bajo el patrocinio del Museo de Artes Visuales:

Cerca de 80 trabajos enviados al Museo de Artes Visuales fue el resultado de la convocatoria Tablaviviente interpelando a artistas a través de las siguientes preguntas:

¿Trabajas con video, cine o una mezcla de éstos? ¿Tu propuesta artística tiene como prioridad la estética por sobre la narrativa lineal de la obra?

Esta invitación nace de la inquietud de Maria José Rojas, curadora y artista visual de indagar en los formatos y soportes utilizados hoy por artistas chilenos y extranjeros para su obra audiovisual. Enmarcado dentro del contexto de una investigación acerca de los soportes históricos y actuales de la imagen en movimiento y de los recursos tecnológicos de éstos, su interés se basa en la obra que opera en un plano visual y no narrativo.

Los orígenes del arte de la imagen en movimiento puede rastrearse desde dos prácticas artísticas: La primera, cronológicamente es aquella que nace del cine como soporte. Desde los años 20 se presencia bastante experimentación de artistas visuales en torno a la imagen en movimiento, en forma de animaciones y film intervenido. Más tarde, al finalizar los 60 y 70 los artistas comienzan a usar el video como registro de sus obras. Ambas corrientes se desarrollan en forma independiente y de alguna forma corresponden a tipologías clásicas del arte: el expresionismo/surrealismo y el conceptualismo/minimalismo. Estas dos corrientes, a razón de sus intereses y el soporte original de sus obras (cine o video) adoptan actitudes distintas frente a la preocupación por la superficie y acabado de sus trabajos. Mientras la corriente de artistas que trabajan, originalmente en cine aunque más adelante adoptan soportes más económicos, definen su obra en la materialidad de ésta misma, aquellos que vienen del registro en video hacen de la baja resolución una estética. Esta estética explota la sensación de registro (el arte está en el evento u objeto registrado, no en el video), de inmediatez y a la vez encuentran en el lenguaje urbano su nicho.

Hoy en día es difícil definir dos propuestas claras en las manifestaciones audiovisuales, pero persiste la pregunta acerca de si se trabaja en la superficie (preocupación por la imagen, por la resolución, por la superficie final del trabajo) a modo de pintura en movimiento, o si lo importante a transmitir está en el contenido (el registro, el diálogo, la inmediatez, etc.). Viéndonos enfrentados al abrumador mercado de la tecnología y a la masificación del uso de aparatos capaces de crear registro audiovisual hay artistas que al buscar el ideal de fidelidad siguen la escalada tecnológica, otros que se marginan de la obsesión del mercado por la mimesis de la realidad y esto los lleva a usar tecnología de otra época con una terminación que quizás entonces fue considerada verosímil, pero que hoy en día carga con un aura romántica y , finalmente, otros que han desarrollado obra en torno a la apropiación y exploración de la visualidad de los aparatos masivos de baja resolución.

La presente muestra de obras prentende plantear una reflexión acerca de la superficie y soporte de ésta misma y ojalá introducir en el medio una discusión en torno a corrientes y posturas de los artistas frente a las nuevas tecnologías y las opciones que toman en torno al acabado y aspecto de sus obras. Además de las obras seleccionadas de la convocatoria abierta serán expuestos trabajos de artistas de trayectoria como: Francisco Huichaqueo (Chile), Paulo Fernández (Chile), Anders Rönnlund (Suecia), Carina Fihn (Suecia), Malena Szlam (Chile), Jean Marc Lamoure (Francia), Gee Jung Ju (Korea-Francia), Moira Tierney (Irlanda) y Tim Sidell-Rodriguez (Reino Unido).

T A B L A V I V I E N T E

Imágenes en movimiento en torno a planteamientos de superficie y soporte.

Curatoría: Maria Jose Rojas B

Proyección de obras seleccionadas y artistas invitados

Viernes 28 de enero 2011, 21:00hrs.

Plaza Mulato Gil de Castro, Lastarria 307

Entrada Liberada

Contacto: tablaviviente@gmail.com

Maria Jose Rojas Bollo

" Adonde van a morir los pájaros"

2010-11-12T15:05:00.000-08:00

Video realizado para la muestra "Bailes exóticos"

curatoria de Cristián Silva

Muestra de artes visuales, BELLO-AMORFO

2010-10-20T05:44:00.000-07:00

III BIENAL INTERNACIONAL DE PERFORMANCE

DEFORMES 2010

www.deformes.org

Inauguración y muestra visual

BELLO/AMORFO

Jueves 19 de octubre a las 19 Horas - Galería YONO

Intervención Sonora Dj Fracaso + Electro PY

Performance Gustavo Solar y Camilo Silva

El diseño expositivo de B – AMORFO se desprende de la misma construcción conceptual que define la Bienal DEFORMES, al indagar en las definiciones de forma, variantes y acepciones, ligadas fundamentalmente a la designación de las cosas en su exterioridad y claramente a la calificación estética del cuerpo, la “bella forma”.

De esta agrupación de ideas se conforma una serie de artistas que articulan, manipulan y reformulan el cuerpo “bello social”, en su sentido más amplio, desde la acción propia del movimiento, a su deconstrucción en el plano, no solo en la deformidad literal de sus partes sino en la errática de su participación en sociedad. - VHB

ARTISTAS:

SEBASTIAN SILVAT

DJ FRACASO

BRAVOESARTE Ltda.

LORETO GONZALEZ

PATRICIO KIND

SOFIA DONOVAN

ARTURO VALDERAS

ALDO GARRIDO

INTI PUYOL (ARGENTINA)

VERENA URRUTIA

YISA

Diseño curatorial: VHB

2010-09-22T10:34:00.001-07:00

ME ENCANTARON ESOS TRABAJOS NUEVOS !!...SON VISERALES, BELLOS, EROTICOS, PERVERSOS, ANIMALESCOS, CONPULSIVOS, ORGANICOS, BIOLOGICOS, HUMEDOS, EXTRAÑOS, SEXUALES, POP, MATERICOS.....SON CARNES FRIAS...!! BRILLANTES...MONSTRUOSOS, MECANICOS.....TE FELICITO...
BESO - VHB

Esto Calienta. Galeria Stuart. 7 de septiembre 2010

2010-09-03T06:26:00.001-07:00

"Chrysalis Sin", Cerámica y plástico, 40*40*40 cm, 2010

"Flower Power", cerámica y textil, 60*32*24cm; 2010

"Lingam Tatlin", (detalle), Cerámica y lana, 34*36*60cm, 2010

"Orange Mutant", cerámica y tubos de plástico, 50*30*40cm, 2010

"Medusa Roar", cerámica y tubos de plástico, 60*60*30cm, 2010

"Yellow Odre", Cerámica y tubo de plástico, 2010

Vistas de la sala con obras

Sobre mis obras de “Esto Calienta”

“En todos los casos se pone el acento en un problema de visión. La sexualidad está menos en el contenido de lo que se ve que en la subjetividad del espectador”¹.

El desarrollo de mi obra siempre ha girado en torno a la investigación del cuerpo humano como objeto y a las diferentes posibilidades de representación iconográfica que éste presenta. En particular, durante los últimos años esta búsqueda se orientó hacia la observación del cuerpo mediatizado en mi entorno cotidiano. Un ejemplo de ésto es el cuerpo de la medicina.

Como consecuencia, mi obra propone una desmediatización de este cuerpo-objeto, una vuelta al cuerpo como vía de experiencia a la sexualidad, a la decadencia, a la renovación, a la fragilidad humana.

Durante los últimos 2 años he estado trabajando en una serie de esculturas cerámicas esmaltadas. Estas esculturas, de apariencia biomórfica, remiten al cuerpo humano a través de formas orgánicas.

Una característica importante de estas obras es la constante tensión entre un sentido antropomórfico y un sentido metafórico, que se genera tanto desde sus aspectos formales como materiales. Por ejemplo, los diferentes niveles de iconicidad que le otorgo a las formas, sumado a la inclusión de otros materiales distintos a la cerámica que interactúan con las formas orgánicas, resaltan su ambigüedad estética. Mientras que en algunos casos las alusiones al cuerpo humano son más directas, en otros, por el contrario, los indicios que brindo para identificar el cuerpo son menos evidentes, como ser orificios, formas fálicas y elementos curvos. Los materiales de confección industrial, que entran y salen de las esculturas cerámicas, buscan contraponer la naturaleza al artificio, generando un sentido metafórico y simbólico de la obra en su totalidad. La contraposición de elementos refuerza la relación metafórica entre naturaleza, cuerpo, ciencia, femeneidad y sexualidad, tensionando los opuestos blando/duro, femenino/masculino, fuerza/ fragilidad.

Me interesa profundamente que estos trabajos sean objetos de seducción, que interroguen un área desconocida entre la relación biología/técnica, para hurgar a través del cuerpo en regiones menos latentes del ser humano, provocando en el espectador experiencias sensoriales provistas de humor y llenas de contenidos simbólicos. Estas obras intentan que el espectador recupere, en palabras de Carl Jung, “su emotiva identidad inconsciente con los fenómenos naturales” ²

Para terminar, quisiera señalar que la relación de las esculturas con el espectador efectivamente genera una respuesta emotiva de gran atracción o rechazo. Casi como si a la organicidad de los volúmenes le fuera inherente una forma de pudor. En este sentido, creo que más allá de las alusiones de forma, color o textura que se puedan hacer al cuerpo humano, la mayor relación entre las esculturas y la investigación en torno al cuerpo radica en su capacidad de generar reacciones tan definidas y primarias en el cuerpo del que observa.

Sofia Donovan

Vacuna: el virus debilitado. Proyecto Caja Negra, Galeria Wschodnia,Polonia 2010.

2010-06-18T14:03:00.000-07:00

Flesh...feelings-
Instalación. Técnica mixta.
Medidas variables. Año 2010

2009-12-14T06:02:00.001-08:00

El proceso de trabajo

Mi trabajo artístico es una investigación sobre materiales, sobre formas estéticas de lo orgánico, buscando nuevas aproximaciones contemporáneas sobre la metáfora del cuerpo.

Partiendo desde elementos propiamente figurativos mi intención es investigar sobre una fragmentación abstracta de la forma corporal.

A partir de esta fragmentación hacia lo abstracto del cuerpo, planteo una estrategia "sensualista" sobre lo orgánico. Es por medio del lenguaje de la abstracción que desarrollo una estrategia estética "organicista" en distintos estados temporales y espaciales. De este modo me es posible configurar una serie de evocaciones múltiples: paisajes anatómicos, cartografías orgánicas.

Es tal mi interés artístico por el cuerpo humano y su estructura estética como lugar de líneas, formas y sensaciones, que ha sido el tema exclusivo de mi trayectoria artística. Las investigaciones plásticas respecto de esto han sido polidimensionales (dibujo, pintura, escultura, instalaciones) para justamente abordarlas desde lo empírico, lo sensista, lo femenino. Y el programa de estos intereses se concentra o redunda en una estética de los estados anímicos que estas mismas obras sugieren.

Se trata entonces de extraer el máximo excedente iconográfico del cuerpo humano femenino el cual culminaría en una serie de efectos emocionales, sensitivos, sensistas y orgánicos sobre el espectador.
Es importante recalcar que las metáforas, los símbolos contenidos en las obras devienen como efecto estético de la materialidad seleccionada (acrílicos, maderas, resinas).

Influencias Artísticas.

Mi investigación artística debe mucho a mis tempranas lecturas del arte contemporáneo y de ciertas prácticas definidas como “arte feminista”. En estos intereses personales han sido fundamentales mi acercamiento intelectual al mundo artístico de los años sesenta: el arte povera, –por ejemplo-, pero fundamentalmente hacia los trabajos de Eva Hesse, Louise Bourgeois, Lynda Benglis, Marisa Merz, Lee Bontecou o Kiki Smith. Con estas artistas comparto una profunda inquietud de sobre pasar los limites representacionales del cuerpo humano, de lo orgánico, de lo biológico, impulsando así nuevas metáforas y direcciones de investigación. Estas influencias apuntan críticamente "nuevas aproximaciones comprensivas sobre el cuerpo de la mujer, su intimidad indescifrable”.

Si bien en mi proceso de obra tomo influencias del movimiento feminista dentro de la historia del arte, mi propuesta no es evidentemente política, sino que busca indagar en lo femenino, como condición biológica, cultural y psicológica mas Allah de contextos afirmativos o academicistas.

En esta praxis artística se buscan también tensiones culturales que profundizan estéticamente asuntos de violencia, de alienación y de fetichismo en que lo femenino es construido hoy publicitariamente, sin una contestación verdaderamente crítica y responsable. Con esto indico reflexiones sobre lo femenino que aquí en Chile son casi inexistentes, o no están a la moda de los tiempos, como si ocurrió a mediados de los años ochenta. De tal modo una estrategia central de mi trabajo es indagar lo femenino como un nuevo territorio no colonizado, no instituido por la cultura dominante; y que no se identifica solo en contraposición a la cultura patriarcal, falocentrica masculina, sino que más bien, busca una perspectiva del arte, construida desde la propia y personal experiencia femenina, extendida también desde mis propias vivencias como mujer y madre.

Esta visión de lo femenino profundiza en su relación con el mundo, -desde un cuerpo penetrable y abierto-, una pregunta sobre la experiencia. Bataille se pregunta: ¿dónde empieza el cuerpo? Yo intento, con mi trabajo, generar la siguiente hipótesis visual; “el cuerpo no empieza ni termina, no tiene lugar establecido, solo se puede reconocer en él un sentido de identidad, a costa de una operación subjetiva y colectiva”.

Mi practica artistica dentro de la cultura contemporánea, interroga el interior psicologico de un cuerpo biologico interior y transitorio. Por eso mismo la tendencia hacia la materialidad en mi trabajo es clave, pues gestiona una potencia visual y táctil a veces de dificil aprehension estetica y politica en el campo artistico chileno.

"Diagnóstico por imágenes" en la Galeria Florencia Loewenthal, Chile

2009-04-08T07:01:00.001-07:00

2009-02-04T09:26:00.000-08:00

Curriculum

Sofía Donovan
Nace en 1972 en Buenos Aires, Argentina. Vive y trabaja en Santiago, Chile.

Asiste a la Escuela Nacional de Bellas Artes Pridiliano Pueyrredón. En 1997 trabaja con el muralista italiano Alfonso Orombelli en Milán, Italia. Estudia dibujo en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova y luego estudia dibujo y pintura con los artistas Jorge Demirjián, Alejandro Boim y Mariano Cornejo, entre otros. En el año 2000 realiza un curso de escenografía en el Teatro Colón, Bs. As. Al año siguiente se radica en Chile y realiza cursos de color, grabado y Diplomado en Teoría de las Artes Visuales en la Pontificia Universidad Católica, Chile y participa de un taller con Eugenio Dittborn.
Realiza su primera exposición individual en 1997. Entre sus muestras individuales se destacan: Cactus, Museo Metropolitano (Bs. As., 1999); Repertorio Corporal, galería Elsi del Río (Bs. As., 2001); Cruce, galería Elsi del Río (Bs. As., 2005); Cruce, galería StuArt (Santiago, 2006).
Entre otras muestras colectivas participa en: Premios Octubre, Fundación Octubre (Bs. As., 1999); Bienal Holiday Inn (Córdoba, 2000); Embajada Italiana (Bs. As., 2000); Centro Cultural Pabellón IV (Bs. As., 2001); feria ArteBa galería Elsi del Río (Bs. As., 2002); Erotizarte, Centro de arte Casa Naranja y Espacio 1305 (Santiago, 2003); Periférica, Centro Cultural Borges (Bs. As., 2005 y 2006); feria ArteBa, galería Elsi del Río (Bs. As., 2007). Concurso Artista siglo XXI, Centro de Extensión Pontificia Universidad Catolica (Santiago, 2007); Revolver, Galeria Stuart (Santiago, 2007);Imágenes Coloidales, Galeria Artespacio,(Santiago, 2007); Proyecto Cubo de Caja Negra, Museo sin Muros, MNBA, (Santiago, 2008) . Deformes II, Bienal de Performance, Biblioteca de Santiago, y Museo de Arte Contemporaneo de Santiago (Santiago 2008).

Diagnóstico por Imágenes

2009-02-01T12:11:00.000-08:00

Diagnóstico por Imágenes

“Diagnóstico por Imágenes” es como se bautizan comúnmente los departamentos de imágenes de clínicas y hospitales desde donde a través de radiografías, escáners, ecografías se emiten diagnósticos de enfermedades, de patologías, o de estados de salud. Es el punto de partida de los complejos mapeos corporales, a partir del cual los médicos comienzan a estructurar sus hipótesis o a desecharlas. Es esa primera mirada, una mirada mecánica, fría, pero que abre un mundo de lecturas diferentes.
Esta serie explora esa mirada, intenta entenderla, juzgarla y desviarla. Pretende hacerse cargo, no desde el lugar de la máquina, sino del paciente-espectador como un intérprete cuya subjetividad oscurece o aclara toda percepción. Pretende imitar la mirada mecánica, ampliando los márgenes de la subjetividad ; los errores y los aciertos de la interpretación.
El cuerpo, objeto de la máquina, es aquí también el objeto del artista. Son sus anomalías, sus ambigüedades, sus desviaciones, la obsesión del artista, lo que busca entender y “diagnosticar” con su mirada. El interés por el cuerpo es mediatizado por una imagen, en este caso la del scan y traducido en forma visceral y ambigua. Se trata de re-estructurar al cuerpo desde la mirada de la máquina-artista y usarlo como discurso para tocar temas como la enfermedad, el miedo a la muerte la finitud del hombre.
La mirada mecánica es el pretexto para hablar de la subjetividad y de la interpretación. El despliegue de formas reminiscentes al cuerpo pretende adentrarse en las ambigüedades de las proyecciones del espectador y en los significados que este le da a la imagen. Indaga en la percepción imaginaria, en como “rellena” el espectador con sus experiencias. Esta serie es un intento por posicionarse dentro de la delgada línea del medio, de lo ambiguo, de aquello que subvierte el orden preestablecido y que da significados a las percepciones.

En su aspecto material, esta experiencia de la corporeidad esta expresada mediante cajas de madera que simulan aluminio, como las cajas de luz donde se miran las radiografías caladas con formas alusivas a scans y rellenadas con resina, fotografías de fragmentos corporales, dibujos y fibra de vidrio. Y también por cajas de metal con resina y fragmentos de objetos, cables, fotos que simulan en tres dimensiones lo que una imagen topográfica da en bidimensión. Los materiales pretenden aludir por un lado, a la frialdad del clima hospitalario y por otro a la viscosidad del cuerpo, pero no en su expresividad carnal, sino en una forma fría y mas mecánica.

Sofía Donovan

DIAGNÓSTICO POR IMÁGENES DE SOFIA DONOVAN.

Susan Sontag en su libro “La enfermedad y sus metáforas” habla de la enfermedad como el lado nocturno de la vida, como una ciudadana incomoda, y añade ‘cada persona al nacer posee una ciudadanía dual, en el reino de los sanos y en el reino de los enfermos. Aunque todos preferimos solo usar el pasaporte bueno, tarde o temprano cada uno se ve obligado, al menos por un tiempo, a identificarse con el ciudadano del otro lugar.’ Sontag se centra en las dos enfermedades que a su juicio llevan con mayor fuerza el peso agobiador de la metáfora: la tuberculosis y el cáncer, dos enfermedades severamente distintas en sus patologías. Sontag analiza la creencia popular que la tuberculosis era una enfermedad de la pasión, mientras que el cáncer brotaría a personas contenidas o emocionalmente reprimidas. Aunque Sofía Donovan se desliga del tema de las enfermedades especificas, “Diagnostico por Imágenes” no deja de tener un aspecto similar frente a la enfermedad y la salud al adentrándose al misterio y las metáforas del cuerpo y sus diagnósticos.
Este nuevo proyecto expositivo de Donovan investiga y emerge a partir de la experiencia que tuvo la artista en un hospital, en una sala de radiografía, esperando los resultados de un scanner de su cabeza (el nombre clínico de la sala de entrega es Diagnostico por Imágenes). El resultado de estas reproducciones del cerebro fue tan poderoso que de pronto el método científico enfatizaba un campo visual con muchas implicancias para un artista. Las formas y movimientos que emergían de la radiografía llevó a la artista a enfocarse solamente en “ver” lo que el scanner figuraba. Luego vendría el proceso de pensamiento y la producción de las obras. Como se puede apreciar en esta exposición, la artista trabajó las imágenes de las radiografías en formas semi–abstractas y tridimensionales invitando al espectador a navegar, a flotar, sobre la visualidad al interior de un cerebro. Estos trabajos, estéticamente parecen ‘respirar’ como si fueran micro-organismos o agentes con su propia pulsión de vida. Alterando significados en la búsqueda de nuevas visualidades.
Concretamente, Sofia Donovan imita lo que fuera una caja de luz para observar radiografías. El contenedor de aluminio es en realidad una base de madera que simula una estructura metálica. La madera es calada imitando y explorando las contornos que mostraban sus radiografías. El interior de la madera es calado y esos vacíos son moldeados por fragmentos de fotografías de cuerpo. Intervenido por dibujo y fibra vidrio, Sofia Donovan crea unas estructura tri-dimensional, ni pintura ni escultura, estas estructuras evocan un agente entre-medio. Utilizando un complejo proceso de imágenes del cuerpo, la artista “capta” y “libera” una dimensión estética sobre el cuerpo y la imaginación. “Los materiales pretenden aludir por un lado, a la frialdad del clima hospitalario y por otro, a la viscosidad del cuerpo, pero no en su expresividad carnal, sino en una forma fría y mas mecánica”, dice Donovan.
La intención de simular lo frío y lo mecánico pareciera ser una manera de darle una carga psicológica a la trama, pero a su vez, de mostrar los nuevos intereses plásticos y conceptuales de la artista. Desmarcándose de la obra anterior caracterizada por el color y por motivos geométricos y abstractos, esta nueva mirada trata más sobre foto-imaginaciones (por darle un nombre) al utilizar la fotografías como componente decidor de la obra. Pues, es la pigmentación del cuerpo lo que le da el color y el tono al trabajo. Por ultimo añadir, que el uso de la fotografía –para registrar el cuerpo- se entiende como algo que se refiere a una realidad. No es una metáfora sobre el cuerpo sino el propio cuerpo, fragmentado y distorsionado.
Altamente personales, y sustentados en el análisis sobre la enfermedad y la salud, estas obras sistemáticamente describen un mapa de espacios físicos, biomórficos, metafísicos y estético. Donovan entiende su cuerpo, en estos trabajos, tanto como la paciente que enfrenta un diagnostico, como también, la artista con percepción estética de este. La expositora nos entrega una investigación hacia una nueva proyección espacial que incluye, tanto, un adentro como un afuera; un aspecto privado como un aspecto publico; el lazo entre la enfermedad y la salud; y la fructífera relación entre la estética y la ciencia. Un paseo delirantes, creativo e intuitivo, sobre el diagnostico de imágenes y estado de salud de su cerebro. Donde la hipótesis que gana, no es la de un doctor o la ciencia, sino la visualidad de la propia artista.

Cecilia Brunson, curadora

Cuerpos Celestiales (entre cosas y seres). Bienal de Performance de Santiago. 2008

2009-02-01T12:08:00.001-08:00

Cuerpos-Cueros 2005-2007

2009-02-01T11:40:00.000-08:00

CUERPOS-CUEROS

Esta serie es una continuación de la idea de cambio trabajada en Cruce.

El titulo es un anagrama de las dos ideas fundamentales que componen la serie. A su vez el uso de un titulo anagrama es para reforzar el concepto de desarticulación y transformación efectuado en la imagen.

Los dos conceptos son también ideas desarrolladas en series anteriores, que vuelven a unirse para formar(o buscar) un nuevo significado.

Los cuerpos remiten a un mundo personal, privado, los cueros a un mundo social (en este caso argentino).Ambos, se entrecruzan. Porque cuerpos irregulares componen un mapa que se asemeja a los cueros. Y cueros se acerca a cuerpos en la jerga local: “estar en cueros” es estar desnudo, en cuerpo.”Sacar el cuero”, nuevamente remite a una desnudez figurada ante la critica de terceros. Los cuerpos entran en un “cuerpo social” al tomar la estructura del cuero, y el cuero toma una dimensión privada al contener organismos humanos.

Este entrecruzamiento intenta realizar una topografía del terreno personal y de sus mutaciones. El tema del cuero es simbólico de la tierra dejada, de la identidad de argentina. El cuerpo es la estructura primordial de permanencia y de cambio. Ambos son la dermis de seres vivientes. El cuerpo se fracciona, varia, pero en la serie se mantiene siempre sostenido por la estructura irregular del patrón de la piel bovina.

Cuerpos-cueros componen una delicada trama de identidad transformada. Formas fragmentadas en el proceso de migración y unidad bajo una nueva piel, el cuero, lo que queda del allá. Entre ambos solo una “p” de diferencia. Un pasaje de ida o de vuelta.

La técnica utilizada es el dibujo sobre papel por un lado, y dibujo sobre piezas de madera. Los cortes de papel y de madera corresponden a líneas virtuales de dibujo. Luego, la idea es que los montajes de los fragmentos de dibujos y de piezas se monten como mapas topográficos sugiriendo la línea irregular de los cortes .

Obras mostradas en la muestra "Imágenes Coloidales", Galeria Artespacio,Santiago, Chile, 2007, Arte Ba 2007, Buenos Aires Argentina y en "Cuerpos Celestiales (entre cosas y seres)" en "Deformes", Bienal de Performance, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile 2008.

Cruce. 2004-2005

2009-02-01T11:30:00.000-08:00

CRUCE

Estos trabajos simbolizan el cruce de la cordillera en dirección este-oeste, son metáforas del corte con un lugar, de la interrupción de las costumbres y del rearmado de la vida con trozos de lo nuevo y retazos de lo viejo.

Estas intervenciones espaciales, determinadas por las piezas de un rompecabezas, son el emergente de las reflexiones sobra la transformación de la identidad.

Maderas cortadas y pegadas-metáfora perfecta para ese rearmado- usan el espacio arquitectónico como soporte. Estas piezas multiformes tienen la singularidad de ser transportables y armables en distintos lugares, y contienen, el potencial del cambio continuo. En este juego de ensamblaje, donde las piezas y los intersticios son opciones de armado, es donde reside la nueva idea de forma como proceso de gestación y despliegue de posibilidades.

Sofia Donovan

LAS GEOGRAFIAS INESTABLES DE SOFIA DONOVAN

El primer encuentro con lo que sería más tarde el territorio de Chile no se hizo desde los desiertos del norte, sino desde los archipiélagos del sur, aun cuando se haya tratado de una visión accidental, sin posición ni posesión definida. La experiencia del desmembramiento paulatino de la costa coincidió además con el primer avistamiento occidental de un habitante del más allá, del nuevo océano al otro lado del Estrecho. Pigafetta registra este acontecimiento en 1520, un año después de la llegada de Cortés a Tenochtitlán y dieciséis antes de que Almagro entrara al valle del Mapocho. Cuando creía que alcanzaba el fin del mundo, la tripulación de Magallanes dio entonces con “un hombre de una estatura de gigante que estaba sobre la playa casi desnudo cantando y danzando y lanzándose arena sobre la cabeza” .
Geografía e imaginario son aquí uno solo y aportan el principio mítico del viaje a Chile desde Argentina. No importa que este se haga ahora en línea recta de este a oeste, sin necesidad de circunnavegar el continente, sino más bien cruzando la cordillera o sobrevolándola; el trayecto es el mismo, desde el plano sólido de sudamérica oriental y atlántica hasta la faja inestable de tierra del extremo occidental pacífico. Rodeado de cercos y desiertos –de tierra, agua y hielo-, Chile es en sí un bordemar insular sin dominio sobre el horror de los elementos –el combate de trentren y caicai vilú-, una playa provisoria desmembrada interior y exteriormente que festeja un mundial de fútbol y sonríe ante el televisor después del mayor cataclismo geológico que registra la historia de la sismografía planetaria.
Si es cierto, como pensaba Adorno, que la forma del arte contemporáneo es un contenido social sedimentado pero paradójicamente clausurado a la sociedad y al artista mismo que la integra, podríamos apostar quizás, entre otras mil apuestas posibles, a que los collages y rompecabezas de maderas pintadas que declara Sofía Donovan sobre su trabajo plástico, son la recomposición literal del periplo ancestral que culmina en el desmembramiento de las islas desiertas.
Gilles Deleuze recuperó para la filosofía contemporánea la distinción que hace la geografía entre dos regímenes de islas. Por una parte las islas continentales, accidentales, derivadas, separadas de un continente, nacidas de su desarticulación. Por otra las islas oceánicas, islas esenciales que brotan en medio del desierto acuoso como acumulaciones orgánicas de coral o como resaltes porosos de erupciones submarinas. En ambos casos, dice Deleuze, lo que está en juego es una oposición profunda entre el agua y la tierra. Unas recuerdan que el mar está sobre la tierra, otras, que la tierra está aún bajo el mar; es por ello que las islas desiertas son filosóficamente normales: no se puede vivir allí, en seguridad, a menos que se suponga dominado el combate vivo de los elementos. “El impulso del hombre que lo lleva hacia las islas retoma el doble movimiento que produce a las islas en sí mismas. Soñar las islas, con angustia o felicidad poco importa, es soñar que uno se separa, que se está ya separado, lejos de los continentes, que se está solo y perdido –o bien, es soñar que se parte nuevamente de cero, que se recrea, que se recomienza. Había islas derivadas, pero la isla, es también aquello hacia lo que se deriva, y había islas originarias, pero la isla, es también el origen, el origen radical y absoluto” . No es de extrañarse entonces que Donovan tolere que el espectador complete y recomponga su exposición de piezas como fragmento o como continuo. Ambas satisfacen la homogeneidad fragmentada e imposible de la nueva habitación; la habitación de la casa o el departamento, pero también la habitación del territorio al que se migra, con sus descalces y sus desfases, su alteración de recursos propios y apropiados, el espesor de los que faltan para decir buenos días en el registro de infancia, la extrañeza de los modos de los que están pero que son “otras gentes” al decir de García Lorca, el excedente semántico incierto entre “eres” y “sos”, la opacidad, en fin, del nuevo espacio que toma la iniciativa, en el lugar de Sofía, de cortar y pegar maderas coloreadas en la pared, que ella percibe descentradas y sin jerarquía, pero que deben buscar a su vez la “imagen corporal alusiva y fragmentada propuesta en las series anteriores” .
Sofía Donovan intuye bien que como en el sistema al mismo tiempo nítido y enigmático de diseños de La mariée…, la abstracción vive en la nostalgia de la figura y concibe de pronto sus disposiciones de elementos como formas antropomórficas que accionan proyecciones. “Son abstracciones pero que son algo”. Y he aquí que regresa sin cesar a las islas desiertas de su geografía, a preguntar como Jasón o como Odiseo, como Próspero ante Calibán, o como Pigafetta ante el gigante del archipiélago patagónico, ¿qué seres existían sobre ellas en un origen?. “La única respuesta es que el hombre existe ya allí, pero un hombre poco común, un hombre absolutamente separado, absolutamente creador, en síntesis una Idea de hombre, un prototipo, un hombre que sería casi un dios, una mujer que sería casi una diosa, un gran Amnésico, un puro Artista, conciencia de la Tierra y del Océano, un enorme ciclón, una bella bruja, una estatua de la Isla de Pascua. He ahí el hombre que se precede a sí mismo” .

Gabriel Castillo Fadic, profesor PUC
Santiago de Chile, febrero de 2005

Instalaciones en Galeria Elsi del Rio, Buenos Aires, Argentina 2005. Galeria Stuart, Santiago, Chile. 2006.

Rompecabezas 2003

2009-02-01T11:01:00.000-08:00

ROMPECABEZAS

En esta serie, el armado de un rompecabezas corresponde al intento de reflexionar sobre el factor de cambio en la transformación de la identidad dentro del contexto de la inmigración.  El collage es el medio utilizado para simbolizar el proceso. El corte,el pegado y el rearmado de papeles y maderas son metáforas del rearmado de esa vida. Se corta con un país, sus costumbres, sus lugares y se vuelve a armar con trozos del nuevo. Es la vida hecha de retazos, de papeles superpuestos, de imágenes fraccionadas. Lo que se busca es el sentido de la nueva vida a partir de la ilación de los recortes y las re-configuraciones.
Los rompecabezas se estructuran a partir de cuadros que se leen en forma fragmentada o continua, según las piezas y el armado sugerido por mí, que luego es completado por la mirada del espectador, en un juego abierto de interpretaciones. La clave es la reconstrucción. A su vez, estos se organizan de múltiples maneras, permitiendo la mutación de las imágenes según las sucesivas re-configuraciones y creando perímetros y formas en la pared. Llevan en sí el potencial de cambio continuo y generan tensión en las imágenes al estar armados de una u otra manera. En consecuencia, las imágenes generadas son descentradas y sin jerarquías.
La serie abarca la búsqueda de la imagen corporal alusiva y fragmentada propuesta en series anteriores. Las formas son antropomórficas y accionan proyecciones. Generan tensión en cuanto a la búsqueda de sentido. Son abstracciones pero que son “algo”.
En la materialidad de la obra se inscriben el papel y las maderas como protagonistas exclusivos. El proceso es directo y definitorio. El pincel es reemplazado por la tijera y la línea por los cortes. El material y el proceso permiten el placer del juego, el rearmado y la sorpresa. La forma de trabajo es entrecortada, de tiempos incompletos, propios de la adaptación a las nuevas circunstancias.

Sofia Donovan

Repertorio Corporal 1999-2000

2009-02-01T10:41:00.000-08:00

REPERTORIO CORPORAL es una serie realizada entre los años 1999 y 2000. Es una serie inspirada en la relacion entre el ser femenino y masculino y en sus formas de vinculación mediante los binomios violencia/ternura; amor/odio; actividad/pasividad; erotismo/aniquilación.
Son obras cargadas de tension entre estas pulsaciones bipolares. Estan resueltas mediante recursos que que exaltan unas veces y acortan otras, las distancias entre los distintos factores. Las figuras se fragmentan y los limites entre los binomios se desdibujan. Los cuerpos individuales se pierden-encuentran entre las lineas y planos de color. La violencia y el dinamismo aparecen en las lineas raspadas sobre la tela y en el papel desgarrado, símbolo de los cuerpos y almas desgarrados, unidos y separados por el movimiento pendular de las fuerzas opuestas.

Sofia Donovan